Perche’ si fanno le mostre d’arte?

Le mostra

Le mostre si fanno perché ci sono gli artisti. Così si potrebbe tranquillamente rispondere, anche se in modo diretto e un po’ brutale.

Ci sono dei produttori di manufatti (appartenenti a una specie di manufatti molto particolare) che hanno necessità di individuare un luogo (che può essere adatto a ospitarli, ma non necessariamente) dove poterli mostrare.

Perché mai vogliono mostrare questi manufatti particolari?

Nel migliore dei casi, perché si pensa che essi possano sedurre l’immaginazione di un osservatore; nella stragrande maggioranza, per poter vendere.

È un “valore di scambio”,volgarmente una merce, per quanto di un tipo particolare, che come accade per ogni merce ha un valore se permette al suo produttore di ottenere una contropartita che lo soddisfi.

Ma questo manufatto ha anche, a certe condizioni,un valore storico, culturale. E chi definisce questo valore, che non è misurabile semplicemente in ore di lavoro necessarie a trasformare componenti materiali in un manufatto artistico?

Dove, cioè, la creatività dell’esecutore, il suo istinto o il suo “dono”, ovvero il suo talento coniugato alla sua abilità, acquisisce quell’aura unica, ineliminabile e inimitabile che lo trasforma in opera d’arte?

Ecco, siamo piuttosto vicini al nucleo problematico che sottende la domanda iniziale. Marcel Duchamp, interrogato da Pierre Cabanne sulla durata dell’opera d’arte, rispondeva in modo curioso:

“l’opera dura più e meno quanto dura la vita creativa di un artista  30,40 anni. Dopo, essa o si eclissa, muore, scompare dalla vista, oppure entra nella storia dell’arte”

In quest’ultimo caso, subisce una specie di trasmutazione; se “l’opera d’arte la fa chi la guarda”, ora quello sguardo è mediato da altri soggetti storici, critici, curatori, che ne decretano in qualche misura la centralità: una centralità che è attestata dai testi e, nel caso in cui la “riproducibilità tecnica”non sia un veicolo sufficiente, dall’esposizione attraverso le mostre.

I nobili bolognesi cominciarono fin dal Seicento a esporre sotto i portici della città i capolavori delle loro raccolte in occasione dei decennali delle parrocchie, sullo sfondo di pannelli riccamente drappeggiati; così facevano i romani (gli artisti viventi giungevano a organizzare esposizioni nel Pantheon), specialmente nelle ricorrenze annuali di San Salvatore in Lauro, e i napoletani, in occasione di particolari feste religiose.

Il primo Salon irrompe a Parigi nel 1667, quando per la prima volta apre i battenti una vera e propria esposizione di opere “moderne”, accettate da una giuria sotto il patrocinio del Re.

 

le mostre

 

Nasce il popolo degli spettatori, il collezionismo borghese, la temuta famiglia dei critici, l’ostilità tra ufficiale e “rifiutato”, l’interesse dei viaggiatori.

L’Inghilterra dà ancora più valore a queste immense esposizioni per il ruolo che svolgono nell’educazione del pubblico e nella formazione di un gusto,per non parlare delle notevolissime vendite, cometestimonia l’enorme successo delle esposizioni londinesi di Reynolds, Hogarth, Gainsborough,Rembrandt e di artisti italiani e spagnoli.

Le mostre, fin da subito, creano problemi, sia perché quei singolari ready-mades storici privano temporaneamente una collezione delle cerniere culturali che attestano la qualità di un percorso che storicamente è stato messo in atto, sia perché lo spostamento delle opere d’arte può essere molto pericoloso.

Nel 1930, la migrazione verso Londra di un gruppo di capolavori assoluti dell’arte italiana rischio di inabissarsi nel golfo di Biscaglia per una tempesta.

Nel 1936, quando Alfred Barr si appresta ad allestire una delle prime grandi mostre del MoMA da poco inaugurato, “Cubism and Abstract Art”, la dogana sequestra una serie di opere provenienti dall’Europa (Arp. Boccioni, Picasso, Delaunay, Mondrian), che per qualche tempo restano incustodite e senza nessuna protezione in un magazzino.

Entriamo quindi nel Novecento dove, fin da subito, la mostra assume un carattere diverso, che paradossalmente é ancora eredità del secolo precedente.

Uno dei primi scandali cha affiancano una mostra d’arte e il “Pavillon du Realisme” di Gusta Courbet (1855): una protesta silenziosa contro giudici che hanno rifiutato i due sconfinati telerei con L’atelier del pittore e Funerale a Ornans.

Dentro una vecchia baracca l’autore allestisce una mostra, stampa un piccolo catalogo, aggiunge quaranta quadri “in vendita” e la mostra dissidente é aperta. 

E da qui che un’esposizione d’arte, come si vedrà per decenni, acquisisce anche un valore politico.

Nell’immediato secondo dopoguerra, il tema delle mostre d’arte e all’ordine del giorno.

Se Carlo Ludovico Ragghianti è convinto della necessità di attivare una relazione che consenta di mettere a confronto i risultati più rilevanti degli studi artistici internazionali, e nel medesimo tempo portare anche all’estero questa azione, condizionando un attivo scambio, e anche contribuendo a farvi conoscere la cultura e l’arte italiana”, Roberto Longhi è a dir poco infastidito:

“Le mostre”, scrive nel 1949, “erano ormai chiaramente giunte alla saturazione di se medesime i quadri che si chiedevano (ai musei,naturalmente) erano quasi sempre gli stessi”.

Ma i ministeri degli esteri e le ambasciate premevano sui ministeri dell’istruzione che si piegavano subito, in omaggio al motto ‘politique d’abord.

Mostre e Musei, apparso su “Paragone”, rincara la dose:

“L’Italia è diventata, volente o nolente, la nazione più ‘mostraiola’ d’Europa, e forse del mondo [..]”

Dopo il grande sconquasso bellico, a tasche vuote e nell’impossibilità materiale di rimettere rapidamente in piedi i musei, era ben naturale che le nazioni più sciagurate, più prive di mezzi, cercassero di procurarsi della valuta pregiata attraverso qualche mostra all’estero”.

L’Italia aveva fin da subito aperto grandiose mostre, che non avevano altro significato se non quello di ribadire l’intatta supremazia, almeno artistica, della Nazione: i toscani nel 1922, i ferraresi nel 1933, i riminesi nel 1935, e poi Correggio,Tiziano, Giotto, i romagnoli.

Spesso le introduzioni dei cataloghi esprimono chiaramente l’intento di riportare l’attenzione sugli “antichi maestri”, come dice Francis Haskell, proprio mentre cominciano a prosperare le massime iniziative dell’Italia moderna, la Biennale e la Quadriennale.

Certo, tutto questo accade se si ha a che fare con opere che “sono entrate nella storia dell’arte”; ma tra gli anni Cinquanta e Sessanta il cosiddetto “sistema dell’arte” si viene definendo in termini assolutamente imprevedibili, e si viene complicando con una veemenza impressionante.

I soggetti mantengono gli stessi nomi, o quasi: artista, critico, gallerista, collezionista, museo.

Ma le funzioni si modificano, si contorcono, si integrano.

Come rispondere allora alla domanda iniziale?

Perché l’arte “si mostra”? Perché organizziamo la sua esposizione? Diciamo che ci possono essere alcune norme che giustificano le mostre e che partono da un assunto in apparenza molto limitativo: si fanno perché sono inevitabili, perché sono necessarie – vale a dire, perché producono conoscenza, sono strumenti che consentono l’avanzamento della ricerca, tanto storica quanto contemporanea, e non sono sostituibili con un articolo per una rivista o con un libro.

Le mostre sono dunque frutto di una ricerca preventiva e non di improvvisazione; ricostruiscono la complessità di una fase storica o scandagliano l’intrico del “sentire” contemporaneo,indicandone le suggestioni e le criticità.

L’autorevolezza di una mostra è pari a quella dei suoi curatori, se questi sanno sottrarsi ai condizionamenti dei proprietari delle opere (siano essi artisti, musei o collezionisti) e degli enti che la sponsorizzano.

 

Le mostre

Mostra Palazzo dei Capitani – Venderequadri

 

Soddisfatte queste condizioni, allora un’esposizione è benvenuta e può scongiurare il rischio di ricadere all’interno dell’aforisma che aleggia nel Trattato della conoscenza umana che il filosofo e teologo George Berkeley consegna alle stampe nel 1710: “Esse est percipi”. Ció significa che la materia estesa, gli oggetti (nel nostro caso dell’arte )ci appaiono reali perché li percepiamo attraverso i sensi; ma le percezioni non certificano l’esistenza di nulla, sono il punto riflesso mondano delle idee divine.

Le mostre inevitabili, necessarie, quelle che “sconvolgono il mondo”. sono quelle che mettono in discussione il nominalismo radicale del teologo irlandese.

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